Qué sigue después: Pensamientos sobre el futuro de la fotografía

Una conversación inspiradora y de gran alcance con la curadora Charlotte Cotton, que aborda preguntas sobre el futuro de la fotografía, pero también ofrece ideas personales, consejos creativos y fomenta la idea de «suicidio profesional» como un medio de reinvención.

Entrevista con Charlotte Cotton; por Alexander Strecker, para Lensculture

Charlotte Cotton
Charlotte Cotton
Desde que comenzó su carrera como curadora de fotografía en Victoria and Albert, en Londres, Charlotte Cotton ha tenido una carrera peripatética de amplio alcance. Aunque le dijeron repetidamente que estaba cometiendo un «suicidio profesional», siguió su intuición creativa a importantes instituciones de todo el mundo, como la Galería de Fotógrafos (Londres), LACMA (Los Ángeles) y, más recientemente, el ICP (Nueva York). En el camino, curó una serie de exposiciones importantes y publicó varios volúmenes aclamados por la crítica, incluyendo The Photograph as Contemporary Art y Photography is Magic.

Ella no es sólo una teórica inspiradora y envolvente de la fotografía contemporánea, sino que también es una pensadora pragmática y realista sobre lo que significa ser creativo en el mundo de hoy. Alexander Strecker se comunicó con Cotton por correo electrónico para recoger sus opiniones sobre una variedad de cuestiones fotográficas y artísticas. A continuación se presenta una transcripción editada de su intercambio.

AS: Una pregunta amplia para comenzar: Has dicho que no haces fotografías ni las coleccionas entonces, ¿desde qué perspectiva o lugar te acercas a la fotografía?

CC: Me atrajo la fotografía cuando era un adolescente, en los años ochenta analógicos. Me gustó la posibilidad de un medio con el que casi cualquiera podría tratar de comunicarse, y me encontré con la pequeña comunidad en un cuarto oscuro local que parecía ser realmente encantador y disfrutaba aprendiendo unos de otros.
Comencé mi carrera curatorial en V&A a principios de la década de 1990, una época en la que ser curador de museo y fotógrafo eran cosas oficialmente separadas. Tomamos a John Szarkowski, quien suspendió su práctica fotográfica mientras estaba en MoMA, ¡ como un ejemplo de cómo operar! Es decir, en realidad no deseo ser artista, y en V&A aprendí sobre el inmenso privilegio de poder pensar en la fotografía sin la postura de un artista o un coleccionista privado. No siento celos ni codicia de lo que veo, sólo una inmensa curiosidad.

AS: Has sido curadora en V&A, LACMA y curadora residente en ICP. ¿Puedes decirnos más sobre esta última posición, especialmente porque la institución tiene una historia muy específica y ponderada de la fotografía documental? ¿Cómo respetas eso mientras también promueves nuevas direcciones?

CC: Lo que me gusta de la posición de curador residente es el énfasis en ingresar a una institución con un conjunto existente de ideas, ideas que provienen de otra parte, que se convertirán en una propuesta para el futuro de un Entidad cultural. Luego, la institución obtiene una serie de nuevos enfoques sin tener que renovar completamente su estructura existente. Esto significa que el cambio, o, como creo que es el caso en el ICP, un salto creativo que cambia las modalidades de un museo, una escuela y un programa de educación comunitaria puede ocurrir relativamente rápido.

AS: En 2013, escribiste: «Está claro que estamos a un millón de millas conceptuales de donde estábamos incluso hace nueve años». Eso fue hace tres años y parece que el cambio sólo se acumula a tasas cada vez más rápidas. Desde tu perspectiva, ¿el estado de la fotografía contemporánea ha seguido cambiando tan rápidamente, o nos estamos acomodando en un nuevo equilibrio (¿? si acaso hay algunos equilibrios)?

CC: Hay aspectos de la fotografía contemporánea que parecían emergentes hace cuatro años (cuando escribí el ensayo al que te refieres , para la revista Aperture ) y ahora se toman como un hecho. Pero creo que sólo hemos empezado a comprender realmente el contexto – la imagen general y el contexto de los medios – para las prácticas contemporáneas de autor, y eso no sugiere que estemos exactamente en equilibrio. Incluso si estamos a punto de entrar en una era «estable» de la práctica artística, casi todo en el mundo de la imagen puede cambiar, y eso, a su vez, cambiará el significado de la práctica artística.
Estoy escribiendo en tanto vuelvo de una conferencia en la Academia Valand en Gotemburgo, donde escuché las presentaciones, una tras otra, de pensadores y practicantes increíbles que están investigando el efecto de los medios de comunicación. Fue completamente vergonzoso – después de la humillación de las elecciones en los Estados Unidos y la horrible verdad que vivimos en las burbujas de medios, peligrosamente inconscientes de otras realidades de éstos- escuchar un entendimiento profundo sobre cómo se comportan las imágenes.

AS: Como curadora, has dicho que estás muy «atenta a la audiencia / lector». Algo interesante, porque a veces me encuentro diciéndoles a los fotógrafos que no estén demasiado centrados en la audiencia; más bien, deberían concentrarse en seguir sus propias pasiones, para sólo pensar en la audiencia después. Personalmente, ¿cómo negocias el centrarte en la audiencia sin comprometer o diluir lo que TÚ quieres decir?

CC: ¡Ja! Bueno, no creo que tu consejo para los artistas y mi enfoque en la práctica curatorial estén en conflicto: ya que un artista es el «primer espectador» de su trabajo, a veces el espectador principal.
Pero creo que la curación es distinta del arte, tal vez porque la vocación curatorial tiene que ver con «cuidar», o pastorear ideas para que otros las experimenten. Encontrar la perspectiva de mi espectador ideal – el «para quién es esto»- todo lo contrario de una dilución de mis pensamientos. Ellos me estimulan y ayudan a mantenerme en ruta.
Uno de los principios fundamentales del tipo de curación que hago es concentrarme realmente en las ideas centrales que quiero transmitir y los sentimientos que quiero generar en el espectador. Hay algo completamente hermoso y humano en la perspectiva de hacer una conexión cerebral con otras personas. También debo señalar lo obvio: el curado de una exposición es una actividad grupal y, como me gusta decir cuando iniciamos el proceso de instalación, todos los ojos deben ser entrenados en todo a medida que pasamos de lo hipotético a lo real. Estamos eliminando lo que es extraño hasta la hora final.

AS: Algunas de mis mentes favoritas en el campo fotográfico han trabajado en muchas ramas diferentes de la industria: galerías de bellas artes, editoriales de libros, instituciones culturales, bancos de imágenes comerciales, agencias boutique … Tú has tenido un camino similar, especialmente desde que dejaste el V&A. ¿Crees que los fotógrafos podrían beneficiarse de tener una visión tan amplia de la fotografía? Conozco a muchos que son tercos acerca de ser únicamente «narradores de documentales» o «artistas» a expensas de experiencias potencialmente enriquecedoras … ¿Qué les dirías?

CC: Creo que es una elección muy personal sobre cómo abordas tu práctica y, hasta cierto punto, la vida misma. Todos necesitamos diferentes equilibrios de estabilidad y flujo en diferentes puntos de nuestras vidas. Pero diría que no es un declive, ni una admisión de derrota el cambiar de opinión acerca de tus propios parámetros.

Todo lo que funcione para mantener nuestra curiosidad y optimismo sobre el esfuerzo humano valdrá la pena.

Personalmente, encuentro que la estabilidad central proviene de poder probar diferentes formas de trabajo y experimentar las ventaja que cada una me brinda. Me han dicho numerosas veces mientras hago un cambio que estoy cometiendo un «suicidio profesional», y ahora lo tomo como una confirmación de que el salto que estoy a punto de dar es el correcto.

AS: La colaboración es muy importante para ti como curadora (lo que no siempre es así en la profesión). La colaboración también se está volviendo esencial para la fotografía, desafortunadamente, en un momento en que muchas estructuras tradicionales que reunían a los fotógrafos (por ejemplo, los medios tradicionales) se han fragmentado. Como profesional independiente itinerante (suena como la mayoría de los fotógrafos), ¿qué consejos tiene para encontrar colegas afines y reconocer proyectos adecuados en que involucrarse?

CC: Mi comprensión de la colaboración se desarrolló muy pronto para mí. De buenas a primeras, diría que ser gemela me hace muy hábil para compartir y negociar lo que quieres con alguien que es evidentemente igual pero muy diferente a ti. Estaba en una banda cuando era adolescente. Tenía un papel muy pequeño, pero realmente me conecté con la forma en que los miembros clave creaban algo juntos que tenía más niveles y asumían mayores riesgos creativos que cualquier persona que pudiera tener cuando se los dejaba en sus propios dispositivos. Algo sorprendente sucede cuando los seres humanos aplican sus habilidades únicas a un objetivo común.

Trabajar en el Victoria and Albert Museum durante 12 años sin duda formó mi sentido de la necesidad de diversidad de perspectivas, diversos grados de experiencia, la combinación cautelosa de imaginaciones fantásticas y sobre-meditadas y la aplicación de astucia a los obstáculos logísticos que creo que dan forma a lo mejor de las colaboraciones.

Llamo mis cohortes a mis colaboradores de largo plazo: hemos pasado juntos por algunos ciclos de vida y nos gusta encontrar excusas para impulsar nuestras prácticas al unísono. También nos apoyamos unos a otros cuando hay mucho en juego. Tiendo a no invitar a las personas a colaborar en empresas especulativas y no pagadas más allá de lanzar una idea, ya que no quiero perder el tiempo de nadie ni tampoco que parezca que me aprovecho de alguien más.

Por otro lado, me siento muy honrada cuando (típicamente) curadores más jóvenes piden algo de mi tiempo y veo que hay una coincidencia entre su proyecto y donde siento que tengo algo que aprender, estoy realmente feliz de participar si podemos acomodar el tiempo y los aspectos prácticos.

AS: Una vez tuvo una cita encantadora sobre pasar el tiempo con las imágenes «picaditas picantes» para descubrir qué viene después. ¿Qué le diría a un fotógrafo que se siente estancado o inseguro de «qué viene después» para su propio trabajo? ¿Qué haces para despegarte?

CC: Intento no sentirme asustada en los tiempos que dilato. Creo que la procrastinación rara vez es un bloqueo mental grave, sino más bien una señal de la psique de que algo no está bien en mi plan de acción. La parte difícil es averiguar qué es exactamente lo que está «apagado»: ¿es el momento correcto (es demasiado tarde o demasiado pronto?), ¿tu idea realmente se manifestará en la forma final que imaginaste? ¿Estás experimentando un sentimiento sombrío de que te estás repitiendo a ti mismo, o una debilidad en la estructura de tu concepto?
La idea de la imagen de “picor” (que mi amigo Jason Evans dice que era mi frase, ¡aunque creo que la tomé prestada de él!) Fue una forma de alentar a los fotógrafos a reflexionar un poco sobre las imágenes que ya están hechas, las imágenes que tienen eso que les llamó la atención, pero no reconocieron de inmediato en si mismas; hay algo no intencional e indefinido en las imágenes picantes, pero vale la pena observarlas y pensarlas como una señal del futuro.

El desafío para algunos fotógrafos – una vez que dominan sus técnicas, materiales e ideas- es cómo continuar impulsándose siempre más allá de las imágenes que podrían fotografiar. Es la tiranía de ser bueno en cualquier cosa. En parte, sospecho que las imágenes que ya has hecho, que se encuentran a ambos lados de las que claramente tienen tu autoría, son extremadamente útiles para reconocer lo que te espera.

 

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